Bienvenidos a nuestro sexto artículo de Fashion Fashionae, la versión web de nuestro pódcast de moda homónimo, creado y presentado por Beatriz Antón y Pedro Mansilla. A los mandos de la imagen y el sonido se encuentran Álvaro López-Chicheri y Álvaro Bonís.

En este espacio, subimos la versión escrita de nuestros pódcasts, para que se pueda leer más detenidamente la información que tratamos en cada capítulo, incluidas las entrevistas. Sentimos el retraso con los artículos, pero ya estamos de vuelta.

Lo primero de todo, empezamos con nuestra sección de noticias semanal:

• Céline presenta su primera incursión en el mundo de la belleza en sus casi 80 años de historia, llamada Céline Beauté: fue anunciada en el desfile “La Collection de l’Arc de Triomphe”. Se lanzará este otoño con un único tono de barra de labios, ‘Rouge Triomphe’. La línea de barras de labios Le Rouge Céline se ampliará en 2025 con 15 tonos en total, incluido «La Peau Nue», un nude rosado que lucieron las modelos en el desfile de Fall 2024, ampliando la colección Haute Parfumerie de Céline, que llegó en 2019 con grandes elogios.

• Dior presentará su colección crucero en Escocia. El evento está previsto para el 3 de junio en los jardines del castillo de Drummond: se espera que la diseñadora Maria Grazia Chiuri haga hincapié en las tradiciones locales y colabore con artistas y artesanos de la zona, siguiendo la estrategia que ha utilizado para modernizar y enriquecer los desfiles Crucero de Dior. El concepto tradicional de un atelier con sede en París es “nostálgico y no realista respecto a lo que significa hoy tener un atelier: es algo global”, declaró a BoF en 2022. “Realmente creo en ser un diseñador comunitario, no con esta idea de un director creativo en una torre de Pisa”.

• Diego Roel y Ernesto Delgado han sido galardonados con el Premio Loewe de Poesía en la 36ª edición del certamen: la presidenta de la Fundación Loewe, Sheila Loewe, y el presidente de honor, Enrique Loewe, entregaron el premio a los ganadores el 13 de marzo en el Hotel Ritz de Madrid. El ganador de esta edición fue el argentino de Temperley, Buenos Aires, Diego Roel (1980), con su obra «Los cuadernos perdidos de Robert Walser». Ernesto Delgado, nacido en Placetas, Cuba, en 1996, recogió el Premio Loewe a la Creación Joven por «Pálpito».

• Prada desafía la desaceleración del lujo con un aumento del 82% en las ventas de Miu Miu en el cuarto trimestre: el crecimiento de Miu Miu está superando con creces al del mercado del lujo en general. El éxito de la marca se debe a una renovación del producto y un estilo que se dirige a un amplio abanico de consumidores, piezas «conversacionales» y operaciones reforzadas. La consejera delegada, Benedetta Petruzzo, que se incorporó a la empresa en 2020, está convencida de que Miu Miu no ha hecho más que empezar su racha de crecimiento.

Y hasta aquí nuestra sección de noticias semanal.

Hoy vamos a comentar algunos de los desfiles de la Semana de la Moda Fall 2024, tanto de la pasarela de Milán, como de la de París, Londres y Nueva York. Nuestro último artículo estaba dedicado a once marcas que nos parecía imprescindible comentar, y en esta ocasión cerramos el ciclo con otras diez esenciales del prêt-à-porter.

Las marcas elegidas para hoy son: Bottega Veneta, Ferragamo, Gucci, Versace, Prada, Miu Miu, Fendi, Tom Ford, Thom Browne y Richard Quinn.

• Bottega Veneta:

Su director creativo desde 2021 es Matthieu Blazy, que sustituyó en el puesto a Daniel Lee. Blazy fue también diseñador en Raf Simons, Maison Margiela, Céline y Calvin Klein. Blazy acaba de ser elegido como director creativo de Chanel.

Matthieu Blazy hablaba entre bastidores sobre el día a día: “Empezó mirando las noticias; en el mundo en que vivimos, ¿qué podemos hacer?”, preguntó. “La idea inicial era reducir la colección casi a la función, pero no reducirla al mínimo, sino al máximo. Me interesaba hacer un monumento de lo cotidiano”. En un mundo en llamas, hay un estoicismo en lo mundano, donde vestirse a diario puede convertirse en un acto de resistencia. Aunque se trataba de prendas para ir a la oficina, salir a cenar o pasear al perro por la noche, gracias a sus volúmenes únicos, no había nada cotidiano en ellas.

El escenario del desfile recordaba a un paisaje quemado y estéril que parecía abandonado, pero que en realidad sugería una sensación de regeneración, con esculturas gigantes de cactus que rodeaban a los espectadores.

El primer look sentó las bases de la colección: un abrigo negro tipo «capullo» de alta costura cuya silueta redondeada y tridimensional era el resultado del plegado de los costados y las mangas, que se sujetaban con grandes botones de latón. Al desabrocharlos, el abrigo queda más o menos plano. Uno puede imaginarse a Blazy y a su equipo trabajando con muselina y alfileres sobre un maniquí o una modelo en el estudio y aprobando los resultados improvisados y poco estudiados que estaban obteniendo.

Desaparecieron los bordados y adornos que definieron la colección de la temporada pasada – “pensé que era mejor ir en serio”, dijo Blazy. Los emblemas de la resistencia y el renacimiento estaban presentes en todas las prendas. Las flores del desierto, que florecen en condiciones imposibles, fueron el motivo de faldas “cascada” con dobladillos rematados a mano, como los pañuelos de seda; camisas sencillas y «vestidos de flores» de microplisado cortado a láser.

Las llamas pintadas aparecían en forma de dibujos sobre cuero o se mimetizaban de forma abstracta con el movimiento de los looks fil coupé (el fil coupé es una técnica en la que se cortan selectivamente los hilos de la tela para crear un diseño texturizado o decorativo, suele realizarse en organza de seda). Además, las serpientes transformadoras abundan en toda la colección, desde los bolsos envolventes y la nueva interpretación del cinturón serpiente hasta los pendientes de esmalte en espiral.

Blazy dijo: “Quería que la técnica estuviera en el propio tejido”. Un buen ejemplo de ello fueron los estampados “memoria” realizados a partir de capas de sellos de pasaportes que utilizó para un trío de looks. También hay una nueva incorporación a la oferta de accesorios: un clutch en forma de pez, primo del popular bolso Sardine, en un alegre tejido intrecciato multicolor.

En medio de todas las crisis que se entrecruzan, la tendencia, comprensible, entre las casas de diseño y sus ejecutivos es ir a lo seguro. Como hemos visto esta temporada, eso puede llevar a una moda idéntica, indistinguible de una pasarela a otra. Blazy es inmune a ese riesgo. Aunque sean prendas “reales”, “funcionales” y “pragmáticas”, es un error considerar que sus prendas son discretas. Si bien hemos visto a muchos diseñadores comentar el estado del mundo a través de sus diseños, la visión de Blazy es de humilde optimismo. Y sí, el mundo está hecho jirones (por decirlo suavemente), pero ¿y la capacidad de la gente corriente para seguir adelante a pesar de todo? No hay mejor inspiración para esta temporada.

• Ferragamo:

Su director creativo es Maximilian Davis, que sustituye a Paul Andrew desde 2022. Davis es exdiseñador asistente de Grace Wales Bonner, y debutó con su primera colección en 2021, con la ayuda de Fashion East.

Tras cuatro desfiles, Maximilian Davis da un paso adelante en su intento de cristalizar su identidad de prêt-à-porter para la mayor marca italiana de calzado de lujo. Para el otoño, ha vuelto de nuevo a la década fundacional de la casa como punto de partida: “Los años veinte utilizaban la ropa como forma de celebrar la libertad. Y esa expresión de libertad es algo que resuena conmigo, con mi herencia y con Ferragamo”. Los códigos visuales de una época de emancipación se reducen y refinan para una colección que refleja la expresión de uno mismo de los años veinte, a ambos lados del siglo.

“En los años veinte, como respuesta al mundo que les rodeaba, la gente creaba sus propios espacios a través de los bares clandestinos”, explica Davis. “Ocultaban lo que llevaban puesto hasta que se sentían seguros”. Esta inspiración se manifiesta en forma de capas “manta”, firmas de la marca Ferragamo que ocultan la ropa interior de sus portadores.

La expresión de libertad comenzó con una serie de looks verde oliva de lana y cachemira que incluía grandes abrigos con cinturones acolchados muy anchos, de nuevo una de las grandes tendencias de la temporada; conjuntos de camisa y falda o pantalón de cuero verde oliva, con cinturones similares, y más abrigos verde oliva, el efecto era ciertamente militar.

Cuando se pasó a las versiones rojizas y marrones de conjuntos similares, parecía que nos adentrábamos más de lleno en el territorio del Fall 2024. Junto a los vestidos de organdí lacados y las transparencias hiperfemeninas, los acabados de plumas y los bordados de lentejuelas, los armarios de las mujeres que eligieron vestirse con siluetas masculinas se reflejan en hombros anchos, lanas pesadas, y pieles flexibles. En sastrería, las solapas afiladas y esculturales connotan un espíritu más surrealista.

Entonces, unas botas muy altas inspiradas en los vadeadores (para mujer) y unos shorts muy cortos (para hombre) proporcionaron la primera desviación significativa en el diseño. Poco a poco fue surgiendo un contraste entre la arquitectura aparentemente pesada de las prendas exteriores y la ligereza y a veces desintegración (en las faldas con flecos) de las prendas que las rodeaban: parecía un debate no resuelto entre lo provocativo y lo elegante.

El cinturón ha sido el motivo que más ha definido esta colección, utilizado con soltura en un vestido largo de organza en tono mostaza y en trajes de seda para hombre. El look más fuerte de la colección es probablemente el que imita las escamas de los peces con piezas de cuero lacadas en rojo.

Otro de los grandes aciertos de la colección fueron los zapatos. Davis defendió las enseñas de la marca de los años 20, revitalizando los zapatos de tacón de satén con escote corazón, los tacones de aguja con barra en “T” y las sandalias de tiras de los archivos de Ferragamo. Las piezas más masculinas incluyen “derbies” alargados con tacones cuadrados y botas funcionales. “Siempre despojo las cosas”, explica Davis. “Me gusta tomar una parte rica de la historia y luego restringirla para hacerla más limpia, más moderna”. Los zapatos que más nos han llamado la atención son los que parecen estar hechos de plumas de marabú.

• Gucci:

Su director creativo desde 2023 es Sabato de Sarno, que sustituye en el puesto a Alessandro Michele. Sabato de Sarno también fue diseñador en Dolce & Gabanna, Prada y Valentino, donde fue la mano derecha de Pier Paolo Piccioli durante años.

En su segundo desfile para Gucci, Sabato de Sarno siguió echando raíces en la casa de moda italiana, apostando por un puñado de motivos que van camino de convertirse en emblemas de su lenguaje de diseño. En el año transcurrido desde su nombramiento, De Sarno ha hecho un esfuerzo para llevar a Gucci en una dirección estética completamente diferente, casi 180º respecto a la de su predecesor, donde Alessandro Michele gravitaba hacia lo poético y florido (literalmente, el hombre ama los estampados florales).

De Sarno muestra moderación, con un enfoque absoluto en el color y la silueta. Desde un punto de vista comercial, resulta más favorecedor: es un enfoque más directo (aunque no menos lujoso) del vestuario, menos dependiente de la «historia/tendencia de la temporada» y más preocupado por vestir al cliente para su día a día, tanto si necesita un abrigo estructurado que sólo requiera botas de montar hasta la rodilla para completar el look, como un vestido brillante para una ocasión especial.

Puede que no sea un diseñador de estampados integrales, pero para el otoño de 2024 ha introducido patrones que parecen una versión abstracta y gráfica de la pata de gallo. El gráfico de los años setenta, vagamente Prada, tanto impreso en los vestidos como bordado como si fuese jacquard, era en realidad una garza.

Cuando incorpora adornos, suelen combinar con el color base, de modo que se funden con la prenda y parecen una extensión natural de ella. Luego están los zapatos, que, en su mayoría, se dividen en dos grupos muy diferentes, pero igualmente llamativos: maxi botas de cuero planas hasta la rodilla, y más allá de ella, o mocasines con grandes plataformas.

En el preestreno, dijo que esta vez se había propuesto una especie de reto: combinar “lo que odio con lo que amo para hacer algo nuevo”. Así, los abrigos, que abrían el desfile, estaban cosidos de la cintura hasta el bajo con paillettes dégradé (no le gustan los bordados), y tanto un vestido de bustier estrecho como una túnica hasta la cadera estaban cortados en cachemira de lana de doble faz en un tono verde que su equipo de estudio tradujo como “podrido” (un color no tan agradable como el Rosso Ancora).

La paleta de colores de Gucci para el otoño de 2024, al igual que la de la primavera, está repleta de colores chartreuse (verde amarillento/licor), burdeos y berenjena. A De Sarno le siguen gustando los pantalones cortos con plataformas muy altas, y sigue siendo un fan de los adornos, aunque no en todos los looks, para reforzar el impacto de las paillettes de colores combinados en abrigos y vestidos de gasa.

Al final, los “gestos subversivos” que prometían las notas de prensa no fueron demasiado evidentes. El look de apertura era un traje de pantalón corto, la chaqueta cuidadosamente entallada y abotonada hasta el cuello, con un fino cinturón que marcaba la cintura y botas de montar por encima de la rodilla que llegaban casi hasta el dobladillo del pantalón corto: minimalismo en la misma línea general que el debut de De Sarno, exquisitos vestidos de encaje negro y las plataformas slingback, que se inspiraron en los mocasines de la colección de lanzamiento de De Sarno.

“No tengo un tema”, dijo. “Mi tema es la ropa”. Desde Vogue, lanzan una pregunta persistente: ¿Es eso suficiente en una marca tan grande como Gucci?

• Versace:

Su directora creativa es Donatella Versace que, desde 1997, y tras el fallecimiento de su hermano Gianni, le sustituye en la dirección creativa de la marca. Donatella siempre ha trabajado en la firma; en 1994 fue nombrada directora creativa de Versus Versace.

El plató de Versace estaba decorado con una alfombra negra y una escalera de Escher blanca. Si no fue el mayor desfile de Milán, lo pareció, con las modelos haciendo un ocho gigante entre la multitud. Aunque la adquisición de Capri, la empresa matriz de Versace, por parte de Tapestry, aún no era oficial, la compañía se encontraba en un estado indefinido, éste ha sido el desfile milanés más definitivo de Donatella Versace en mucho tiempo: seguro y poderoso.

En la rueda de prensa, Versace hablaba de chicas rebeldes y chicos brillantes y tímidos. La chaqueta de Prince de Versace, entallada hasta la cintura con hombros anchos y diseñada para que pareciera más alto de lo que medía, sirvió de modelo para la sastrería de este desfile.

Las modelos llevaban el pelo de punta y los ojos delineados, pero no había nada tan obvio o exagerado como los imperdibles. Dejando a un lado algunos jerséis desaliñados, todo era tan pulido como cabría esperar de Versace, y más aún porque Donatella dijo que utilizaba tejidos del Atelier Versace, primero desmenuzándolos y luego tejiéndolos en tweeds salpicados de cristales, que cortaba en trajes de minifalda o chaquetas que combinaba con leggings de estribo y bailarinas para ambos sexos.

Los delicados cuellos blancos de cola de golondrina que decoraban los vestidos negros y los largos procedían de un desfile de Atelier Versace celebrado en 1993 en el Ritz de París. Los corsés interiores de los vestidos contrarrestaban las asociaciones primitivas de los cuellos: una yuxtaposición inesperada y potente. Otros vestidos eran sexys, como es típico en Versace; véase el modelo de cuello alto cuya abertura lateral se extendía al norte de la cadera hasta casi la cintura. El vestido más llamativo del desfile: una columna con forma de reloj de arena, corpiño y mangas transparentes y escote con incrustaciones de cristales que sólo ocultaban parcialmente las hombreras.

Hablando de relojes de arena, un vestido de cóctel de cuero rojo sin hombros (que también lució Anne Hathaway entre el público) y los vestidos de cota de malla se diseñaron para que cayeran a la altura de las caderas, maravillas de la construcción.

• Prada:

Sus directores creativos son Miuccia Prada y Raf Simons. Desde 2020, Raf Simons se une a la dirección creativa, que había sido un cargo que Miuccia había llevado siempre en solitario, tras graduarse en Ciencias Políticas. Simons fue diseñador en Walter Van Beirendock, Jil Sander, Dior y Calvin Klein. El director de diseño de Prada es Luigi Preziotti, nombrado en 2023.

“Cualquier cosa puede ser un punto de partida”, dijo Raf Simons, “tanto si nos encanta como si la odiamos o pensamos que es tonta o divertida o triste o estúpida o política”. Esta temporada, el punto de partida ha sido el lazo. El look negro que desfiló en primer lugar estaba adornado con un par de docenas de ellos. Las versiones rosa bebé y morado intenso del vestido llegaron después, al igual que muchas otras versiones del lazo, incluso en la parte trasera de faldas que eran de tweed resistente por delante y de seda bordada por detrás, como si sus portadoras se hubieran atado un delantal sobre el bajo.

Gran parte de la colección era distinta por delante y por detrás. A Prada nunca le han gustado las cosas tontas, divertidas o estúpidas, así que ¿había algo político en este proyecto de reivindicación? En el backstage, los diseñadores hablaron de romanticismo, amor y emoción, así como de historia. “La historia te lo enseña todo. Especialmente en los momentos difíciles”, dijo Prada en un comunicado de prensa. “Esta es una colección moldeada por la historia. No se trata de nostalgia, sino de comprensión”.

Últimamente, los lazos han sido objeto de muchas discusiones en Internet, en parte porque la moda ha visto una cantidad desmesurada de ellos en las últimas temporadas, y en parte porque han sido adoptados por la generación TikTok como una afectación femenina, una forma de aferrarse a la juventud y rechazar la responsabilidad adulta, aparentemente. La entrevista de Prada en el Vogue americano de marzo es relevante en este sentido; le dijo al escritor Wendell Steavenson: “Es extraño, porque cada mañana tengo que decidir si soy una chica de 15 años o una anciana”.

Cuando el presente parece duro y aterrador, y las perspectivas de futuro aún más sombrías, el pasado surge para todos. Prada y Simons no sólo jugaron con los lazos. Había chaquetas tipo “cartero” con parches de la «P» en el pecho y el año de fundación de Prada, 1913, cosido en los brazos; había conjuntos de jersey de niña en colores desparejados que se llevaban con faldas hasta la rodilla y de largo midi.

Las modelos llevaban los bolsos colgados de minicinturones y se llevaban las manos al pecho, un gesto anticuado en la era de los iPhones. Si eso parecía nostálgico, los vestidos de cóctel de alta costura de los años 50 del final del desfile, confeccionados con tejido técnico de alto rendimiento y guantes a juego, eran buenos ejemplos del don de Prada y Simons para transformar piezas familiares, incluso banales, en piezas que parecen nuevas y deseables. Y no sólo eso: había algo en ese tejido indestructible que parecía un poco político y muy adecuado para este momento.

• Miu Miu:

Su directora creativa es Miuccia Prada. El director de diseño de Miu Miu es Dario Vitale, que ha trabajado para la marca desde hace años, y en 2023 se le volvió a nombrar director de diseño.

Para el otoño de 2024, Miuccia Prada volvió al núcleo de la elegancia “ladylike” con un toque retro y extraño, la estética maximalista que sus fans más grandes y audaces de Miu Miu han amado desde el primer día. Puede que la colección mixta empezara de forma minimalista, con abrigos largos de doble botonadura en tonos marrón chocolate, azul marino y negro, pero los pequeños detalles y los accesorios impactantes rezumaban carácter, que según las notas del desfile eran el corazón de la colección. “Un vocabulario de la ropa, de la infancia a la edad adulta”, rezaban las notas. “La colección Miu Miu FW2024 de Miuccia Prada se inspira en la extensión y el alcance de la vida de las personas, sus cambiantes tipos de ropa reflejan el desarrollo del carácter, tanto personal como universal”.

En el ambiente maximalista, cool y “granny-chic” del desfile se vieron pequeños cárdigans de punto, mangas de abrigo recogidas con guantes, trajes de falda y vestidos que parecían sacados de los códigos del vestidito negro o incluso de los uniformes de las sirvientas. La micro minifalda era la tendencia omnipresente que no moría hace unas temporadas, pero esta temporada Prada nos regaló la falda amplia hasta la rodilla con bolsillos. Estas faldas estaban estampadas con flores pintadas y acabadas con grandes y voluminosos dobladillos de burbuja. En un mundo en el que el cuerpo de la mujer siempre es objeto de objetivación, pero nunca se le da libre autonomía, se sintió como un cambio sísmico que alejaba a la chica Miu Miu de lo sexy y minimalista y la devolvía a una chica extravagante y cool que se viste para sí misma y para nadie más.

• Fendi:

Sus directores creativos son Kim Jones (prêt-à-porter y alta costura), Silvia Venturini Fendi (bolsos, marroquinería) y Delfina Delettrez Fendi (accesorios). Kim Jones sustituye en el puesto a Karl Lagerfeld desde 2020; también es diseñador de Dior Men desde 2018 (donde sustituye a Kris Van Assche). Kim Jones lanzó su marca homónima en 2002; también fue diseñador de Dunhill, y, más tarde, de la línea masculina de Louis Vuitton. Jones acaba de dejar su puesto en la dirección creativa de Fendi.

Durante sus tres años en Fendi hasta ahora, Kim Jones se ha mantenido fiel a una musa: Delfina Delettrez Fendi. Antes del desfile, reafirmó felizmente esa postura: “Siempre lo diré. Porque es muy chic y por su forma de vestir. Y cuando lo pones todo junto, se trata de la idea de la funcionalidad en la vida”. Además de ser la encarnación en cuarta generación del sofisticado y progresista espíritu femenino de la casa que lleva su nombre, Fendi también está presente en la práctica de Jones como directora artística de joyería de la casa.

La colección empezó cuando estaba instalado en la sede de Fendi en Roma, en lo más profundo de los archivos. Algo en ellos, de alrededor de 1984, le hizo pensar en los Nuevos Románticos y los Blitz Kids del Reino Unido – “la Princesa Julia, Judy Blame, Leigh Bowery, esa gente a la que siempre he admirado”-, así como en la positiva alteración cultural que se produjo cuando una oleada de diseñadores japoneses, desde Issey Miyake a Hanae Mori y Yohji Yamamoto, llegó a París. En el trasfondo de todo ello estaba la influencia de la propia ciudad eterna: Roma, cuya lengua latina original contenía la raíz de la tradición románica.

Esto dio lugar a una colección con capas de todas estas arqueologías, pero nunca abrumada por ellas. La influencia japonesa era evidente en la forma y la precisión de la sastrería y la camisería inmaculadas. A través de los bordados de lunares y las capuchas, un eco del espíritu progresivamente anárquico de Leigh Bowery estaba presente, pero no de forma escandalosa. El alma romana de la propia Fendi se tradujo a través de la estatuaria clásica, cuyas imágenes se integraron ingeniosamente en la sección de cierre, así como en la sofisticación con que la sastrería se mezcló con el punto Aran, el jersey, la pana de visón, el shearling empenachado y los cueros y ante cosidos para crear una visión discretamente poco convencional del clasicismo.

También había humor en los accesorios de cuero y los porta chupa-chups, seguramente una referencia a las discotecas, enganchados a las nuevas versiones blandas del Peekaboo y otros bolsos, o a veces colgados del cuello de las modelos. Dos nuevos bolsos, un satchel de tamaño medio llamado Simply y un shopper más grande y redondeado llamado Roll, fueron creados para ser suaves, flexibles y táctiles, y actuaron como otras piezas heroicas. Fueron los protagonistas de una colección en la que Jones contrapuso lo clásico a lo progresista en varios niveles para exponer una nueva dimensión del alma polifacética de Fendi, fundada hace 99 años.

• Tom Ford:

Su director creativo desde 2023 ha sido Peter Hawkings, que sustituyó en el puesto al propio Tom Ford. Hawkings es exdiseñador de Gucci, desde 1998, bajo la dirección creativa de Tom Ford. Dejó Gucci en 2006 para trabajar en la nueva marca homónima del diseñador. Haider Ackermann acaba de sustituir en la firma a Peter Hawkings.

A oscuras, antes de que empezara el desfile de Tom Ford, sonaba repetidamente la música de los títulos finales de Instinto Básico. La propia Sharon Stone estaba en primera fila, acompañada por Uma Thurman, Eva Green, Sam Claflin, Dominic Sessa y Callum Turner. Los paparazzi no se cansaban de fotografiarlos. Peter Hawkings, ahora en su segunda temporada en Tom Ford, hace moda que busca el calor, literalmente; los trajes de noche, en particular, están diseñados con el ojo puesto en los focos.

Hawkings pasó décadas trabajando para el fundador de la marca, y entiende su estética mejor que nadie. Su misión esta temporada era empezar a liberarse del pasado y encontrar su propio sello para seguir adelante.

Empezó mostrando una serie de abrigos y chaquetas de inspiración militar. Señaló que los botones de latón se habían diseñado especialmente para la marca, y añadió que todos los tejidos de la colección también se habían desarrollado en exclusiva. Las prendas militares estaban muy bien logradas y gustarán mucho más allá del contingente de celebridades presentes esta noche.

Como diseñador, Ford era un hombre de excesos, y antes de vender la marca le gustaba llevar sus colecciones al límite, invitando a levantar una ceja y a plantearse cuestiones de alto y bajo gusto. Hawkings ha eliminado ese sentido de la provocación. Su Tom Ford sigue siendo sexy, pero de una forma más segura, a pesar de los vestidos de malla de cristal y los catsuits transparentes. Por ejemplo, el Vanilla Sex se parece al Rose Prick de Ford, una comparación que Hawkings parecía estar cortejando con la nueva fragancia que envió con las invitaciones.

Aunque Hawkings se especializó en ropa masculina con Ford, la sastrería femenina fue el punto fuerte de la nueva colección, como lo fue en su debut. La temporada pasada se repitieron los smokings de terciopelo de la época Gucci de Ford; esta vez fueron sus trajes de tres piezas con chaquetas de solapas anchas, chalecos encogidos y pantalones de talle alto diseñados para abrazar el trasero, «agarrarte por el muslo» y fluir hasta el dobladillo, que se mostraron en gris plateado, rayas diplomáticas y morado vivo. «El ajuste», dijo Hawkings, «es muy importante para mí». Y se notaba.

• Thom Browne:

Su director creativo es Thom Browne, que fundó la marca en 2001, con sede en Nueva York. Browne fue dependiente en Giorgio Armani; más tarde, fue contratado por Club Monaco (entonces propiedad de Ralph Lauren), y le nombraron parte del equipo de diseño y merchandising.

Tras una temporada ausente, Thom Browne regresó a la Semana de la Moda de Nueva York y ocupó el lugar de clausura de forma espectacular. La última vez que se subió a una pasarela fue en julio, cuando debutó en la Alta Costura en la Ópera Garnier de París con su característico estilo teatral. Hoy ha vuelto al Shed de Hudson Yards, donde puso en escena por última vez su propia versión de El Principito. En esta ocasión, el poema de Edgar Allan Poe El cuervo (1845) inspiró su puesta en escena: en un patio nevado, un árbol de extremidades desnudas vestido con un abrigo gigante de Thom Browne montaba guardia, con un modelo animando sus ramas; detrás había una ventana iluminada con un cristal roto por el que salían los demás modelos.

Los desfiles de Browne tienen tanto de teatro como de presentación de sus últimas prendas. En el poema de Poe, un estudiante afligido recibe la visita de un cuervo que responde a todas sus preguntas sobre su amor perdido Lenore con la misma palabra: «nevermore». Es una historia sobre la pérdida y la desesperación contada en el lenguaje más musical: «Esa única palabra, como si su alma en esa única palabra se derramara».

En una visita a una sala de exposiciones previa a su desfile, le preguntaron a Browne si tal vez estaba atormentado como el protagonista de El cuervo, y se rió. «Crecí amando a Edgar Allan Poe», dijo, «y además, siempre me gusta que la gente vea que soy un diseñador americano». Carrie Coon, la Bertha Russell de The Gilded Age, narró el poema, lo que añadió un elemento de dramatismo al espectáculo que no siempre habían tenido las anteriores salidas de Browne, ya que su discurso cambiaba a medida que leía, de tranquilo a bastante agitado, hasta llegar a la histeria total.

El poema dio a Browne su lenguaje visual para el otoño. Un abrigo blanco de moaré llevaba una atrevida intarsia de pájaros negros volando, y un par de chaquetas cuadradas llevaban el eslogan del cuervo en letras mayúsculas en la espalda. Las modelos llevaban tocados de red cuyo perfil se asemejaba al del ave, y las uñas pintadas de negro en forma de garras.

Pero Browne se tomó grandes libertades. A los cuervos se les unieron bichos, algunos en la sastrería formal de la década de 1910 (las ilustraciones de Georges Goursat, alias Sem, fueron fuente de inspiración) que estaban segmentados horizontalmente como el cuerpo de un insecto, y otros más esculturales con las capas superiores desprendiéndose de los hombros para revelar la capa inferior, como en proceso de muda.

En cuanto a las rosas, un artículo de Vogue nos revela que, a partir de la década de 1930, una persona no identificada a la que los medios de comunicación apodaron Poe Toaster solía visitar el cenotafio que marcaba la tumba original de Poe en Baltimore, Maryland, todos los años el día de su cumpleaños, se servía una copa de coñac y dejaba tres rosas en el monumento, junto con la botella de licor, antes de marcharse. Haya o no relación, las rosas y los cuervos estarán listos para la Gala del Met, cuyo tema, «Bellas durmientes», está relacionado con la naturaleza.

Las referencias son menos importantes para Browne que el proceso y los resultados, que fueron magníficos sin dejar de ser más ponibles en el mundo real que algunas de sus otras colecciones. «En realidad se trata de centrarse en las técnicas que utilicé en julio en París», dijo. Costura de cosecha propia.

• Richard Quinn:

Su director creativo es Richard Quinn, que fundó la marca en 2016, con sede en Londres. Quinn se graduó en Saint Martins, y en 2018 recibió el Award for British Design, contando con la presencia de la reina Isabel II de Inglaterra.

«Imprimimos todo internamente. Todo lo cortamos nosotros. Sí, la pedrería se hace en otro sitio, pero todo se hace en casa». Así se expresó Richard Quinn inmediatamente después de un desfile cuyo salón recién alfombrado en el Andaz London estaba envuelto en 900 metros cuadrados de su característico tejido floral. Esa tela, añadió, ya se había vendido a un minorista: «No se desperdicia nada».

Aunque la moda femenina londinense está repleta de «radicales de centro», no está excesivamente poblada de conservadores de la parte alta de la ciudad: Quinn parece prosperar en ese nicho poco poblado. Armado con el inestimable respaldo de haber sido el ganador inaugural del Premio Reina Isabel II de Diseño Británico, además de su considerable talento, ha construido un negocio principalmente vertical dedicado a servir a una clientela acomodada, a menudo transnacional, que de otro modo no tendría muchos diseñadores londinenses de cara al establishment a los que agraciar con su costumbre.

Llamémoslo demi-couture o confección a la antigua usanza, cualquiera de las dos opciones es válida. Alrededor de una cuarta parte de la colección era nupcial, una sinfonía de vestidos con falda completa, corpiños adornados y tul en tonos marfil. Hubo un importante conjunto de vestidos y trajes de chaqueta que se inspiraron, como ya hizo Saint Laurent en su día, en los trajes de noche masculinos tradicionales. Estos trajes, colgados de temblorosas capas arqueadas de hilo de cuentas, presentaban petos con volantes; junto con los tradicionales trajes florales de Quinn, que se llevaban bajo vaporosas colas con dobladillos de plumas, evocaban una especie de ambiente glam-rock de lujo. Los vestidos con rejilla de cristal o salpicados de diminutas flores de lentejuelas eran variaciones reconocibles de la estética de Quinn, presentados con estilo y cuidado, y que pasaban regiamente a pesar del ocasional desacuerdo desestabilizador entre el tacón, el dobladillo y la alfombra.

Al final, el suelo recién colocado estaba cubierto de huellas de plumas de avestruz errantes. El aplauso fue atronador, y muchos de los clientes que observaban el espectáculo señalaron las piezas que les pasaban por delante durante el final con evidente intención. Después, durante la charla, Quinn dijo que a menudo sus encargos vienen en dos tamaños: uno para la madre y otro para la hija. Este hecho había catalizado la idea central de la exposición de hoy. «Es: ¿qué le pasaría una madre a su hija? Era una especie de reacción contra la idea de las marcas, los logotipos y el bombo publicitario, y la idea de buscar constantemente la novedad de forma radical. Se trataba de lo que nosotros somos: trabajar con el cliente, entender lo que vende, pero también mostrar lo que creemos que puede pasar de una madre a una hija. Ropa que se aprecie para siempre, básicamente».

Esperamos que nuestro sexto artículo, dedicado a las colecciones de la Semana de la Moda Fall 2024, os haya parecido interesante. Podéis seguirnos en YouTube, Spotify y Google Podcast, así como en Instagram y TikTok.

Muchas gracias por estar al otro lado escuchándonos y leyéndonos, esperamos que tengáis un buena y elegante semana.

Beatriz y Pedro.