Bienvenidos a nuestro cuarto artículo de Fashion Fashionae, la versión web de nuestro pódcast de moda homónimo, presentado por Beatriz Antón y Pedro Mansilla. A los mandos de la imagen y el sonido se encuentran Álvaro López-Chicheri y Álvaro Bonís.

Estamos subiendo a esta página todos los artículos que escribimos para nuestro pódcast, por lo que siempre podréis leer más detenidamente la información que tratamos en cada capítulo, incluidas las entrevistas.

Lo primero de todo, empezamos con nuestra sección de noticias de esta semana:

• Fallece el diseñador Claude Montana a los 76 años: Claude Montana, el audaz diseñador francés cuya exquisita sastrería definió el poderoso look de los años 80, murió el viernes en Francia a los 76 años. Con una sastrería meticulosa y un gusto especial por el cuero, fue el arquitecto del estilo “hard-chic” de la década, muy estructurado y erotizado.

• Louis Vuitton elige Barcelona para su desfile Crucero 2025: la pasarela, en la que se mostrará la última colección de Nicolas Ghesquière, director artístico de las colecciones femeninas de Vuitton desde 2013, se celebrará paralelamente a una exposición, actividades culturales y programas educativos. Barcelona es la sede de la 37ª edición de la Louis Vuitton America’s Cup, la competición deportiva internacional más antigua en activo en cualquier deporte, que se remonta a 1851.

• Vogue World llega a París el 23 de junio con un homenaje a los Juegos Olímpicos en la plaza Vendôme: los contenidos de moda estarán supervisados por Carine Roitfeld, Ibrahim Kamara, y el historiador de la moda y comisario del Paris Galliera, Alexandre Samson. La edición de este año se ha ideado en colaboración con academias deportivas juveniles de toda Francia, y se emparejará cada deporte olímpico –ciclismo, gimnasia, tenis, esgrima, etc– con un tema de la moda francesa para cada década, partiendo de 1924 (año en que París acogió por última vez los Juegos Olímpicos). La selección de moda destacará diseñadores franceses de ayer y hoy, así como casas que tradicionalmente presentan sus colecciones en París.

• Las series dedicadas a grandes couturiers y diseñadores de moda están de moda: con el estreno de la serie “Balenciaga” el 19 de enero (disponible en Disney+), y “The New Look”, estrenada el 14 de febrero (disponible en Apple TV), todos los apasionados e interesados por la moda tenemos deberes. Pero no queda ahí el creciente interés por el mundo de la moda, se espera que la serie “Kaiser Karl” se estrene en Disney+ este 2024, todavía no hay fecha definitiva, pero se sabe que se está rodando la serie en Francia, Mónaco e Italia.

Y hasta aquí nuestra sección de noticias semanal.

En el artículo de hoy terminamos de explicar la Semana de la Alta Costura de París. El otro día nos quedamos en Viktor&Rolf, que desfiló el día 24. Hoy comenzamos con las siguientes marcas que desfilaron el 24, Zuhair Murad, Valentino y Julie de Libran. Y terminamos con las marcas que desfilaron el día 25: Ashi Studio, Aelis, Gaurav Gupta, Fendi, Peet Dullaert, Robert Wun, y Maison Margiela.

• Zuhair Murad: diseñador libanés nacido en 1971. Al terminar el instituto se mudó a París para estudiar moda. Al volver a Beirut, abrió dos tiendas: la primera en la avenida Charles Helou, y la segunda en la rue François I de París.

En 1995, abrió su flagship store (tienda insignia) en Beirut. También tiene un showroom en Milán, en la Via Borgogna, y ya en 1999 participó en la Semana de la Moda de Roma.

Sus raíces en Beirut (el Líbano), ciudad cosmopolita y cuna de diferentes culturas, historias, creencias y estéticas, situado en la encrucijada de Asia, Europa y África, forman un punto de vista único desde el que observar el mundo.

Tiene línea de alta costura, pero también prêt-à-porter y accesorios. Desde el principio, las mujeres han estado en el centro de la vida de Zuhair Murad; ejemplos de belleza y gracia, de elegancia y poder, para ser veneradas y celebradas. En la propia página web del diseñador apuntan: “Su trabajo, su pasión, es hacer realidad no sólo sus sueños, sino los de ellas; sus vestidos de alta costura son lienzos para transmitir estados de ánimo y emociones”.

Una de las inspiraciones continuas de Zuhair Murad es la silueta de reloj de arena, una celebración de la forma femenina divina, reinventándola cada temporada. Zuhair Murad combina de forma sutil e innovadora colores y adornos, formas y tejidos, y viste a las mujeres con finos bordados y pedrería que evocan otros tiempos y lugares…

Ha vestido a diferentes personalidades, entre ellas: Priyanka Chopra, Miley Cyrus, Katy Perry, Jennifer Lopez, Adele, Marion Cotillard, Beyoncé… Ha realizado vestidos tanto para la gala de los Oscars como para los Globos de Oro, los premios Emmy o los Brits Awards, e incluso para concursantes de Miss Universo. La princesa Al-Taweel de Arabia Saudí lució uno de sus vestidos cuando asistió a la boda del príncipe William y Catherine, duquesa de Cambridge.

En esta colección SS24 nos presenta 50 looks, bajo el título “A Tyrian Arabesque” (“Un arabesco tirio”). La colección se inspira en el amor que sentía la civilización fenicia por el mar; según nos cuentan en la nota de prensa de la colección: “Es una oda a la luz, las olas, el viento, los destellos marinos y el suave ámbar de los atardeceres mediterráneos”.

Zuhair Murad siempre muestra una mujer fuerte, en cierto sentido “guerrera”, pero siempre muy sensual y femenina. Inspirado en figuras femeninas esenciales, como las diosas Astarté, Elissa o Tanit, la colección rezuma el espíritu de estas mujeres que traspasan las épocas… mujeres libres y conquistadoras, conscientes de su atractivo, erguidas como mascarones de proa.

“Europa, la princesa fenicia, raptada por Zeus transformado en toro y colocada en la orilla occidental del Mediterráneo, también está presente: un personaje a modo de puente entre las orillas del mar central”.

En la colección podemos ver exquisitos drapeados, cascadas de cadenas, tejidos de gasa de seda, lúrex lamé, satén de seda, arabescos y crepé “caddy”… que evocan las formas sensuales del agua rodeando el cuerpo de las modelos. Detalles en cristal que evocan las gotas de agua sobre la piel de la mujer que lo lleva, y destellos dorados que nos hacen pensar en los tesoros submarinos…

“Las incrustaciones metálicas capturan el brillo del sol sobre el mar y toman prestada su delicadeza del cristal iridiscente, un material, según cuenta la leyenda, descubierto una mañana entre los restos de un gran incendio nocturno en las arenas de Tiro. Esta orgullosa ciudad insular, que resistió siete meses bajo el bloqueo de Alejandro Magno, prefigura para el creador el Líbano contemporáneo, donde la belleza es un acto de resistencia”.

La gama cromática gira en torno a colores mediterráneos: rojos desvaídos que recuerdan al vino de las ánforas, verdes intensos que evocan las aceitunas y su aceite, notas brillantes de plata, hierro, bronce y cobre que rememoran la artesanía joyera de un pueblo conocido por su lujo y su capacidad para crear objetos de deseo.

• Valentino: Valentino Garavani es un diseñador nacido en Voghera (Lombardía, Italia) en 1932. Apasionado de la moda desde niño, a los 17 años decidió trasladarse a París para estudiar en la École des Beaux-Arts y en la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne.

«Recuerdo a mi madre diciéndole a sus amigos: a este niño le gusta la belleza. Me fijaba mucho en la ropa, le decía siempre lo que quería vestir y me llamaban mucho la atención los vestidos de las actrices: siempre me fascinó la elegancia. Creo que este sentido nació conmigo».

Tras sus estudios, Valentino se convirtió en aprendiz de Jean Dèsses y Guy Laroche. En 1959 regresó a Roma para montar su propio estudio en la Via Condotti con la ayuda de sus padres, y presentó su primera colección de prêt-à-porter. En 1960, Valentino conoció a Giancarlo Giammetti, que se convirtió en su socio y pareja. En aquel atelier se fue conformando la identidad del diseñador, Roma era el epicentro del cine y grandes actrices del momento se interesaron profundamente por las creaciones del diseñador.

El estilo Valentino es muy reconocible: diseños ultrafemeninos, una búsqueda incesante de la elegancia, extrema importancia de los detalles, constantes apariciones de plumas y lazos, así como el inconfundible “rojo Valentino”.

¿De dónde sale esta fascinación por el rojo del diseñador? Durante sus años de estudiante, visitó Barcelona y acudió a la ópera, donde le sorprendió una mujer española: «Embelesado, vi en uno de los palcos a una mujer con canas, muy guapa, vestida de terciopelo rojo. Entre todos los colores que llevaban las demás mujeres, ella parecía única, aislada en su esplendor. Me dije a mí mismo que si algún día llegaba a ser diseñador, haría mucho rojo», declaró en una ocasión a Vogue.

Tal ha sido la fascinación por este color que incluso tiene su propio PANTONE, creado con una mezcla de 100% magenta, 100% amarillo y 10% negro. El primer vestido rojo que presentaron fue en la colección SS1959, bajo el título “La Fiesta”, era un vestido de tul sin tirantes de largo medio en rojo brillante. A partir de aquella colección, se han presentado vestidos rojos en todas las colecciones de Valentino.

Valentino presentó su primera colección de alta costura en 1962, en el Palacio Pitti de Florencia, y su talento fue rápidamente reconocido, especialmente entre las grandes actrices del momento, las mujeres de la alta sociedad, la realeza y la aristocracia de todo el mundo. Entre algunas de sus clientas se encuentran Audrey Hepburn, Elizabeth Taylor, Lady Diana, Diana Vreeland o Jacqueline Kennedy Onassis. Con esta última mantuvo una estrecha relación de amistad; diseñó el vestido para su boda con el magnate Aristóteles Onassis, y aquellas fotografías y vídeos distribuidos a nivel mundial fueron el momento de inflexión para la marca.

Fue tal la repercusión que el diseñador decidió crear una colección enteramente dedicada a ella en 1968, que denominó “my declaration of love for couture” (“mi declaración del amor por la alta costura”). Todos los looks de la colección eran blancos, y el color se convirtió en otra de las insignias de la marca, junto con el rojo. Valentino dice del blanco: “Para mí, el blanco es un color. Es la ligereza del verano, la pureza”.

Durante la década de los 60s, el diseñador expandió la marca a nivel internacional, llegando a desfilar en Nueva York. En 1978 lanzó su primer perfume: Valentino. Al año siguiente, 1979, lanzó su línea denim en Nueva York: Valentino Viva.

Ha vestido a cientos de celebrities, incluyendo a Julia Roberts, que recibiría su primer Oscar vestida por Valentino. Pero también a personalidades como Naty Abascal, Rosario Nadal, Gwyneth Paltrow, Bianca Brandolini, Marie-Chantal Miller, Olivia Palermo…

Para el 40º aniversario de la marca, en 1999, Valentino celebró un desfile en que presentó 40 vestidos rojos en la Piazza di Spagna de Roma. Estrategia que repetiría en su última colección como director creativo de la marca, en la colección SS2008, en la cual todas las modelos lucieron un vestido rojo.

Es en 1999 cuando los diseñadores Pier Paolo Piccioli y Maria Grazia Chiuri comienzan a formar parte de la marca como diseñadores de accesorios, y revitalizan la línea de bolsos y gafas de sol. En 2003 pasan a diseñar la línea Red Valentino. En 2007, Valentino decide dejar su puesto de director creativo y es sustituido por Alessandra Facchinetti, pero tan sólo permanece un año en el puesto. Fue sustituida por el dúo formado por Pier Paolo y Maria Grazia.

En la colección FW2010/2011 se presenta el que se convertiría en otro de los hitos de la marca: los “rockstuds” (tachuelas). Se crearon para rendir homenaje a la antigua Roma y a la técnica «rústica» de las fachadas de los palacios nobiliarios, pero se convirtió en el producto más rentable de la historia moderna de la marca. Entre 2014 y 2019, las ventas de zapatos “Rockstud” reportaron a la marca más de 152 millones de dólares. No olvidemos tampoco la mítica campaña de presentación del bolso “Rockstud” seis años después, de la mano del fotógrafo Terry Richardson.

En 2012, Chiuri y Piccioli presentaron su primer desfile de moda masculina como invitados especiales en el Pitti Uomo de Florencia.

Este tándem de diseñadores fue responsable de la exitosa redefinición de los códigos de la marca y de la revitalización del negocio, que alcanzó unos ingresos de mil millones de dólares en 2015.

Tras el desfile de Alta Costura FW2016/2017, la marca anunció la marcha de Maria Grazia Chiuri, que se convertiría en la directora creativa de Dior. Pier Paolo ha sido el director creativo de Valentino desde entonces. Colección tras colección nos demuestra que Valentino sigue siendo una de las marcas de lujo más relevantes, e incluso ha seguido creando hitos para la marca, como en la colección FW 2022/2023, en la que introdujo un nuevo color emblemático de la marca, el Pink PP, creado junto con PANTONE.

En esta colección SS24, nos presenta 63 looks. Antes del propio desfile, Pier Paolo hace una pequeña presentación con las piezas más importantes de la colección, los periodistas privilegiados que han podido asistir comentaban: “a estos niveles de ejecución, la alta costura es la expresión más noble de la moda”.

Una colección presentada en sus salones dorados de la Place Vendôme, donde la marca tiene sede desde 1998. Piccioli nos demuestra una vez más que la alta costura puede desarrollarse con un lenguaje completamente contemporáneo, puede dirigirse a distintas generaciones y llamar la atención de todos ellos. La paleta de color elegida en esta ocasión es, de nuevo, asombrosa; la sutileza en la selección y combinación de los distintos tonos hacen que sus colecciones sean inolvidables.

En la presentación, Piccioli añadió: «no hay que sentir el peso de la técnica y de lo hecho a mano, porque en última instancia la alta costura trata de la ilusión de no esfuerzo. La técnica debe desaparecer para no perder la magia: un mago sigue siendo mago sólo hasta que revela sus secretos».

En lo que Piccioli ha llamado «una expresión instintiva del impulso de creación», nos muestran 63 looks que juegan y experimentan con los volúmenes, los tejidos y los colores. Es sorprendente la combinación de prendas típicamente “alta costura” (vestidos de noche de amplios volúmenes, por ejemplo) con prendas del día a día llevadas a la máxima perfección técnica (parkas, gabardinas, sudaderas…).

Parkas naranjas combinadas con faldas granates, abrigos celestes combinados con faldas verdes y jerseys púrpuras… y una impresionante capa de rosas “rojo Valentino” combinada con pantalones turquesas… La capa ha sido confeccionada con 87 metros de tejido, y ha requerido tres meses de trabajo en el taller.

Una colección que apela a los sentidos del espectador; no sabemos si la labor de la moda debe ser emocionar, pero sí es la labor de la alta costura… Y Pier Paolo siempre lo consigue.

• Julie de Libran: diseñadora nacida en Aix-en-Provence en 1972. Pasó su infancia en San Diego (California), donde desarrolló su pasión por la moda. Durante su adolescencia, gracias a modistas de la zona, convertía sus bocetos en vestidos reales. Estudió moda en el Istituto Marangoni de Milán y en la École de la Chambre Syndicale de la Couture de París.

De 1991 a 1994 trabajó para Gianfranco Ferré en Milán. Se unió al equipo de Gianni Versace como asistente en 1996. En 1998 se unió a Prada. Durante diez años supervisó las colecciones de prêt-à-porter femenino, confección a medida, prendas para celebrities y lencería de Prada, y ascendió a directora de diseño como mano derecha de Miuccia Prada. En 2008 regresó a París. Durante los seis años siguientes fue Directora Creativa de prêt-à-porter femenino y jefa del estudio de diseño de Louis Vuitton bajo la dirección de Marc Jacobs.

En 2014, Sonia Rykiel la nombró Directora Artística de la marca, puesto que ocupó durante cinco años. En junio de 2019, lanzó su propia marca, Julie de Libran Paris.

En esta colección SS24 nos presenta 30 looks. Debemos decir que, más allá de la perfección técnica que tengan los looks, nos ha parecido una colección de estética prêt-à-porter. La gama de color juega con el binomio blanco y negro, añadiendo algunos verdes oscuros, azul marino, un look en rojo y otro en camel.

Para esta colección, la diseñadora ha transformado su propia casa en el espacio de la pasarela. Define la colección como “deshabillé” y una “mezcla no lineal de looks únicos y de tirada limitada”. “Vienen del dormitorio y de recibir en casa», explicó la diseñadora. «Necesitan hacer una entrada. Creo que viene de todas las películas y fotografías que siempre pasan por mi mente».

Looks en terciopelo dévoré y lamé, cortados al bies, chaquetas de pana, de raya diplomática con doble botonadura, looks de chaqueta y falda de tweed… En la parte de la colección dedicada a la noche vemos algunos looks animal print con detalles de plumas de marabú. No es nuestra colección favorita de Julie de Libran, pero no dudamos que la colección tenga muchas opciones de venderse bien, especialmente con los precios que de Libran propone, siendo una fracción de muchas otras maisons de la ciudad.

Pasamos al día 25 de enero, en el que desfilaron: Ashi Studio, Aelis, Gaurav Gupta, Fendi, Peet Dullaert, Robert Wun y Maison Margiela.

• Ashi Studio: marca de lujo fundada por Mohammed Ashi, un modisto nacido en Arabia Saudí en 1980. Tras estudiar diseño de moda y patronaje en la Esmod, y pasar por Givenchy como asistente de diseño, trabajó para Elie Saab, antes de sentar las bases de su propia marca.

Decidió establecerse por su cuenta en 2007, primero con base en Arabia Saudí, y luego se trasladó a Francia, en 2018, donde llamó la atención de múltiples celebridades y miembros de la realeza, entre las que se encuentran personalidades como Beyoncé, la reina Rania de Jordania, Sonam Kapoor, Deepika Padukone , Penélope Cruz, Diane Kruger, Rina Sawayama y Billy Porter.

En 2023 se convirtió en el primer modisto saudí en ser elegido por la Fédération de la Haute Couture de París para desfilar como marca invitada.

El estilo del diseñador combina el desarrollo de volúmenes y la búsqueda de la armonía entre el minimalismo y diferentes elementos barrocos que hacen de contraste. De nuevo, se da la muy agradecida mezcla entre las técnicas europeas de alta costura y la estética árabe.

Se le considera un pionero en su Arabia Saudí natal. «Su fuerza creativa ha supuesto una contribución inestimable al zeitgeist de la moda saudí, en un momento en que el país experimenta una transformación cultural», declaró Burak Cakmak, director ejecutivo de la Comisión de la Moda Saudí, a The Business of Fashion en 2023.

En la propia página web del modisto escriben: “Ashi es una casa de alta costura con fortaleza transportadora. Es un poema visual recitado en líneas puras y ornamentación artesanal, dedicado a las extraordinarias mujeres de su órbita. Ashi amplía la noción de una nueva atemporalidad a través de una simplicidad amplificada, combinada con la grandeza arquitectónica. Cada colección tiene un latido, su propio gesto romántico, compuesto en el taller por un grupo de modistos devotos”. Ashi explica: “Arabia Saudita compra el 60 o 70 por ciento de la Alta Costura francesa, especialmente los vestidos de novia”.

En esta colección SS24 nos presenta 21 looks, todos en blanco y negro, la mayoría con destellos brillantes, y algunas apariciones del dorado, «para dar ese cosquilleo que se siente en la piel al leer un poema», dijo. En este caso, la colección comenzó tras una experiencia gastronómica en un restaurante japonés, donde a Ashi le dieron carbón para comer, servido como un brebaje espumoso coronado con un trocito de pan de oro.

Buscando la filosofía detrás de la cultura nipona, dio con la “waka”, una forma de poesía breve y concisa, y tras el proceso de investigación decidió intentar explicar emociones fuertes a través de siluetas escultóricas. Sólo uno de los looks nos recuerda al plato que le sirvieron.

El desfile lo abrió un traje negro brillante con un mechón de rafia, pero también vimos distintos vestidos negros vaporosos que dejaban ver el pecho de las modelos, una caída de drapeados que abrazaban las caderas, minivestidos que parecían capullos de tejido y que debían su redondez a la forma en que los kimonos caen sobre los hombros.

Una colección realmente sofisticada, con looks impresionantes, como un vestido negro con el torso transparente y una falda de bandas de rafia, o un vestido blanco midi, que simula pétalos que salen uno detrás de otro. Estamos deseando seguir de cerca el trabajo de Ashi.

• Aelis: marca de alta costura fundada por Sofia Crociani en 2017. Bautizada con el nombre de la musa de un gran poeta italiano, Aelis surgió del profundo deseo de crear prendas que fueran a la vez de alta gama y ecosostenibles. Este compromiso de apoyo al planeta también forma parte de un enfoque estético, ya que la diseñadora se rodea de grandes artesanos para garantizar la singularidad y la calidad de cada pieza.

Sofia Crociani nació en la Toscana, estudió moda y arquitectura y, a los 22 años, se mudó a París. Viajó por el mundo como asesora de Karl Lagerfeld, mientras lo compaginaba con su vida en La Toscana, la tierra donde los etruscos y romanos habían evolucionado.

En una entrevista realizada para L’Officiel Francia, al preguntarle por la inspiración detrás de la marca, comentó: “Muchos diseñadores, como Gabrielle Chanel y la total libertad que demuestran sus prendas, pero también Jeanne Lanvin… Referencio mucho a las mujeres, aunque en el pasado trabajé en una casa – Dior – que hasta hace muy poco tenía una visión bastante masculina de nuestro sexo. En nuestra profesión, muchas veces es importante que otras mujeres cuiden de la mujer”.

En esta colección SS24 nos presenta 24 looks. El desfile se celebró en la última planta de la Ópera Bastilla. Sofia Crociani colabora con el Ballet de la Ópera de París; en esta ocasión, tuvo acceso a los archivos de vestuario y consiguió nuevas formas y tejidos con los que trabajar para su colección, en gran parte reciclada y ecológica.

Trabajó crinolinas y enaguas de algodón, que utilizó para crear formas mucho más estructuradas que en colecciones anteriores. De todas formas, vimos varios looks que nos recuerdan a colecciones pasadas de la firma, con vestidos deconstruidos, drapeados de seda transparente sobre el cuerpo, volutas de tul ceñidas con cintas o joyas vintage.

Las modelos iban descalzas, lo cual nunca es favorecedor en pasarela, y se movían a una velocidad anormalmente lenta. No nos ha encantado esta propuesta para SS24, puesto que vemos demasiadas ideas unidas sin ningún tipo de coherencia: tops de bikini en denim, crinolinas con tops fucsias, leggins y faldas de tul…

• Gaurav Gupta: diseñador indio nacido en 1979. Fundó la marca junto a su hermano Saurabh Gupta en 2005, con base en Delhi, tras graduarse en la Central Saint Martins College of Art and Design. También trabajó una temporada en el estudio londinense de Hussein Chalayan.

La firma está situada en las afueras de Delhi, en un edificio moderno de 5 plantas donde trabajan más de 300 artesanos. Gaurav Gupta ha esculpido un mundo que es indio en su esencia e ilimitado en su forma, fusionando técnicas autóctonas de construcción y ornamentación con su idea del futuro. La marca lleva más de 18 años en el mercado, y ha conseguido abrir 5 tiendas minoristas en el país, pero también ha establecido redes de distribución internacional con Neiman Marcus, Moda Operandi o Bergdorf & Goodman.

En 2022, la Fédération de la Haute Couture et de la mode invitó al diseñador a desfilar en Semana de la Alta Costura de París en enero de 2023 y de nuevo en julio del mismo año. Las esculturales siluetas de la marca se han esparcido por las alfombras rojas de todo el mundo: los Oscar, los Emmy, los Grammy y en Cannes… Ha vestido a celebridades como Beyoncé, Cardi B, Lizzo, Megan Thee Stallion, Maluma, Fan Bingbing, Aishwarya Rai, Deepika Padukone y Priyanka Chopra.

En esta colección SS24 nos presenta 31 looks bajo el título “Aarohanam”, que se traduce como “Ascensión”; es una palabra en sánscrito con profundo sentido espiritual, que marca el viaje de un ser de lo burdo a lo sutil, de lo sólido a lo sublime, de la oscuridad a la luz.

Según nos cuentan en la nota de prensa: “Este fenómeno inspira la colección. Representa la elevación de la razón a la inocencia, desprendiéndose de toda construcción para fundirse con el diseño natural de la existencia. Es como el viaje de una serpiente que se despoja de su piel vieja para emerger de nuevo, renacida. Es un reflejo del concepto de kundalini, la serpiente enroscada que permanece latente en la base de nuestra columna vertebral hasta que se despierta con el poder de la meditación profunda y la intención. Es entonces cuando se levanta el telón de la ilusión, se abren los chakras y se enciende la llama”.

La gama cromática seleccionada juega con el significado detrás de cada color: el negro es una metáfora de la nada absoluta del ser, el naranja “Agni” refleja el surgimiento de una llama, el color arena representa la luz, el reflejo, el azul éter representa la infinitud que aporta la ascensión.

También nos cuentan la intención detrás de estas espectaculares siluetas: “Las siluetas juegan con el volumen de una forma que muestra la danza parpadeante cuando una llama se eleva para disolverse en un espacio ilimitado”.

Una colección realmente espectacular, que demuestra, de nuevo, el infinito potencial creativo y técnico de la India. Vestidos esculturales que crean nuevos espacios más allá de la modelo, elementos surrealistas en oro viejo… Estamos deseando ver cómo sigue desarrollándose la marca en la Semana de la Alta Costura de París.

• Fendi: marca de lujo fundada en 1925 por Adele y Edoardo Fendi en Roma, en la Via del Plebiscito. Inicialmente se trataba de una pequeña boutique en el centro de la ciudad, pero obtuvo un éxito inmediato. Más tarde, abrieron un taller especializado en bolsos y peletería. Varios éxitos y colaboraciones con diseñadores de renombre les pusieron en el foco de la moda internacional.

En 1946, Paola, Anna, Franca, Carla y Alda, las cinco hijas de Edoardo y Adele, comenzaron a trabajar en la empresa familiar, aportando nueva energía e ideas; a cada una de las hermanas les correspondió un 20% de la marca.

En 1965, la marca contrata a Karl Lagerfeld para ser su director creativo de las líneas de peletería y prêt-à-porter femenino (línea que se lanzaría en 1977); ocupó el puesto durante cinco décadas (54 años, exactamente). Lagerfeld solía referirse a las cinco hermanas como los cinco dedos de una mano.

En 1966, Lagerfeld creó el logotipo de la empresa, una doble “F” en un cuadrado, que ha sido reversionado en múltiples ocasiones. Ese mismo año, Fendi presentó su primera colección de alta costura, ampliando sus intereses en Estados Unidos y Japón. En 1969 lanzó su primera línea comercial de pieles y, en los años siguientes, cosméticos y accesorios masculinos.

En la década de los 80s, Fendi amplió sus líneas de producto con perfumes (1985), así como gafas, vaqueros y muebles para el hogar (1987). En 1989, Fendi abrió su primera boutique en Nueva York, en la Quinta Avenida.

En 1992, Silvia Venturini Fendi se unió a la dirección artística de la firma, y en 1994 se le confía la línea de accesorios y, posteriormente, la línea de ropa masculina.

También en 1994, los resultados de las ventas de productos de moda representaban el 90% de los ingresos totales de la empresa, de los cuales el 50% procedía de artículos de cuero y accesorios, el 20% de prendas de vestir y el 20% de pieles. Una maravillosa rareza en una marca de lujo, puesto que normalmente el mayor porcentaje de las ventas se lo llevan los cosméticos y perfumes.

Fendi fue una empresa familiar hasta 1999, cuando Prada y LVMH se unieron para comprar el 51% de Fendi por 545 millones de dólares. El otro 49% seguía perteneciendo a las hermanas. En 2002, Prada vendió su 25.5% a LVMH por 265 millones de dólares, y ese mismo año LVMH compró un 15.9% adicional. Silvia Venturini Fendi perteneció al consejo de Fendi hasta 2008.

En 2020, Fendi contrató a Kim Jones como director artístico de las líneas de alta costura y prêt-à-porter femenino, responsabilidad que comparte junto a Silvia Venturini Fendi y Delfina Delettrez Fendi.

La marca es reconocida por su savoir-faire y creatividad ilimitada, combinados con la búsqueda de materiales y detalles de alta calidad. Algunos de sus iconos son los bolsos Baguette y Peekaboo, creados por Silvia Venturini Fendi en 1997 y 2008, respectivamente; estas creaciones no sólo han superado la prueba del tiempo, sino que se han convertido en un símbolo de la marca.

Bajo la dirección creativa de Lagerfeld se han realizado memorables desfiles, como el desfile en la Gran Muralla China, en 2007, o el espectacular desfile sobre la Fontana di Trevi en 2016, para celebrar el 90º aniversario de la marca, o el desfile en homenaje de Karl Lagerfeld en 2019, presentando la colección de Alta Costura en el Templo de Venus y Roma.

La marca ha sido siempre reconocida por su excelencia en la peletería y los artículos de piel, cultivando siempre la artesanía más exquisita y reversionando los materiales una y otra vez, sin por ello desvirtuar nunca sus propiedades. Esta tarea de investigación y experimentación ha perdurado más de 90 años, desde el nacimiento de la marca.

En esta colección SS24 nos presentan 39 looks. El propio diseñador declaró antes del desfile: “Pensaba en el futurismo de Karl Lagerfeld con FENDI. En la colección existe un humanismo en el centro de este futuro; está el cuerpo, la silueta dentro de la silueta, la persona y la artesanía de la alta costura. La colección va de estructura y decoración, donde ambas se vuelven inseparables. Buscaba la idea de precisión y emoción a la vez”.

Una colección extremadamente sofisticada, llena de detalles y acabados exquisitos. Elementos convencionales que han sido utilizados para crear nuevas formas, un corte geométrico de los tejidos, como el gazar de seda, una ornamentación minimalista, looks muy estructurados y, de nuevo, vemos la experimentación de la marca con los tejidos, siempre de forma sutil, por ejemplo en los bordados que imitan el aspecto de plumas y se funden con la piel de la modelo. Pero sobre todo en los trampantojos creados en los abrigos y looks que parecen realizados en peletería, pero que en realidad se han desarrollado con fibras metálicas para que parezcan peletería.

El ADN de la colección se entrelaza con las reversiones del Baguette de Silvia Venturini Fendi, en materiales que van desde el cocodrilo flexible hasta los bordados fluidos y con flecos, y también las gafas de lujo de Delfina Delettrez Fendi, escaneadas a medida con estructuras de oro blanco de 18 quilates y diamantes blancos.

Por si la colección no era ya lo suficientemente refinada, Jones ha colaborado con el compositor Max Richter para crear la banda sonora del desfile, tratando de transmitir la idea de precisión y emoción que rezuma la colección.

• Peet Dullaert: diseñador nacido en los Países Bajos en 1989. Estudió en la Universidad ArtEZ de Arnhem, donde se graduó con honores en 2012. Realizó prácticas en Lanvin, donde también asistió a Alber Elbaz en el documental de Loïc Prigent de 2011, “Le Jour d’Avant – Lanvin”. En 2012, con 23 años, fue galardonado con el premio Frans Molenaar. Ese mismo año, Dullaert fundó su marca independiente, Peet Dullaert, con líneas de alta costura, prêt-à-porter y accesorios. La marca no tardó en obtener reconocimiento internacional.

En la propia página web del diseñador, nos hablan de su obra: “La obra de Peet Dullaert se inspira en la vida del variado grupo de individuos que le rodean. Generaciones que le inspiran y le enseñan, en la actualidad y a lo largo del tiempo. Con su visión aguda y optimista, crea prendas que respiran un espíritu desenfadado. Trabajando en estrecha sinergia con el cuerpo, las colecciones ofrecen esa libertad de movimiento tan esencial hoy en día”.

Por su compromiso con los océanos y las prácticas de moda sostenibles, ha sido reconocido por Vogue Francia como uno de los diseñadores más comprometidos con el medio ambiente y que trabajan para marcar la diferencia en favor de los océanos.

En 2013, Dullaert puso en marcha «Musas con vidas extraordinarias», un proyecto que rinde homenaje a mujeres de todo el mundo que comparten sus historias y reivindicaciones.

Ha modernizado el sistema de producción del prêt-à-porter, y en vez de seguir el proceso usual de esperar 6 meses a que las fábricas realicen las colecciones, integró la fabricación directamente en sus talleres, donde se realizan las prendas cada vez que hay un pedido.

En 2016, Dullaert ganó el Premio Internacional Woolmark y representó a los Países Bajos en el certamen de 2017 celebrado en Milán. Ha vestido a decenas de celebridades: Rihanna, Mouna Ayoub, Kendall Jenner, Katy Perry, etc.

En esta colección SS24 nos presenta 30 looks, bajo el título “Couture unfolds” (“La alta costura se despliega”) y celebrada en el Hôtel de Soubise, en los “Salons et Chambres de la Princesse”.

En la nota de prensa del desfile nos cuentan la inspiración tras la colección: “¿Qué es la belleza? La pregunta que es la perdición de la existencia de nuestra industria no puede abordarse sólo con la presentación del producto final en la pasarela. Quiero deconstruir las normas establecidas de la alta costura y mostrarles el proceso hecho de otra manera. Nuestra inspiración en el atelier tiene sus raíces en la celebración de las personas tan diferentes que me rodean y la miríada de siluetas humanas”.

Todo en la colección ha sido moldeado y cosido a mano, sin utilizar ni una sola máquina de coser. Con esta colección, Dullaert pretendía reflexionar sobre la vida en la era digital, y ha puesto el foco en que las prendas están hechas para ser vividas, para ser.

Una colección que, como muchas otras de esta edición, ha recurrido al binomio blanco-negro, con algunas apariciones del amarillo o el color topo, drapeados que se amoldan al cuerpo y que caen como cascadas, en diferentes materiales y texturas. Algunos looks merecen una mención especial y están exquisitamente confeccionados, pero en muchos de los otros looks nos hemos encontrado con cierta experimentación en las formas poco coherente.

• Robert Wun: diseñador nacido en Hong Kong en 1992. Estudió en el London College of Fashion, y se graduó en 2012, cuando fue descubierto por JOYCE Boutique. Tras trabajar dos años como freelance en la industria, lanzó su marca homónima en 2014, con base en Londres y centrada en colecciones personalizadas y una nueva visión de los zapatos y accesorios.

Algunas de sus inspiraciones reincidentes son el cine y la naturaleza, en sus colecciones explora narrativas de visibilidad y liberación en la moda. Debutó en la Semana de la Alta Costura de París en enero de 2023, con el apoyo de Bruno Pavlovsky (Chanel), convirtiéndose en el primer diseñador de Hong Kong en unirse al calendario de la Alta Costura, como miembro invitado de la Fédération de la Haute Couture et de la Mode.

Fue galardonado con el Gran Premio de los ANDAM Fashion Awards 2022, y también fue nombrado una de las personas más influyentes de la industria de la moda por Vogue Business 100 y Tatler Asia en 2023. Ha vestido a decenas de celebridades, entre ellas: Beyoncé, Céline Dion, Lady Gaga, Adele, Cardi B, Florence Pugh y Billy Porter. También ha colaborado con el Royal Ballet, la serie de películas “Los Juegos del Hambre” y el director Wong Kar Wai.

En esta colección SS24 nos presenta 24 looks bajo el título “Lovers in the rain” (“Amantes bajo la lluvia”). Cada uno de looks tenía título propio: “Black Armoured Love”, “White Armoured Love”, “Bleeding love”, “The Innocence”…

Antes del desfile, el diseñador declaraba: “Es un reflejo muy fuerte de lo lejos que he llegado, y también estoy agradecido por no haberme rendido nunca”. Hemos visto reversiones de ideas desarrolladas en desfiles anteriores, con algunos elementos nuevos que referencian algunas de sus películas favoritas.

Impresionantes los looks en negro puro bordados con cientos de cuentas que hacen que parezcan salpicados por gotas de lluvia, el vestido de novia salpicado de sangre, un abrigo bordado que rememora la película “Matrix”, o un look que parece haberse desteñido tras haber dejado decenas de caramelos sobre él mientras llovía.

Espectaculares drapeados y uso de la pedrería, siluetas afiladas y volúmenes sorprendentes, armaduras que parecen haber sido sacadas de un videojuego, e incluso referencias a míticos vestidos de Roberto Capucci, con una serie de abanicos que se despliegan por el bajo del vestido o sus conocidísimos volúmenes de tejidos plisados: las colecciones de Robert Wun no pasan desapercibidas.

Los accesorios aportan un toque de humor muy importante en la colección, desde manos que rodean las caras de las modelos, a bolsos en forma de tacón de aguja, e incluso un hombre rojo que sale de la espalda de la modelo, sin olvidar los sombreros en forma de paraguas.

No sólo los looks son impresionantes en su estética, sino que la técnica detrás de ellos dejaría a cualquiera con la boca abierta: el vestido “Bleeding Love”, por ejemplo, está confeccionado con más de 98.000 cristales, y más de 100.000 lentejuelas y cuentas, los bordados de este look llevaron más de 1000 horas de trabajo. En cuanto al velo, necesitó 842 horas de trabajo.

• Maison Margiela: marca de lujo fundada por el diseñador Martin Margiela en 1988. El diseñador nació en Bélgica en 1957, y estudió en la Royal Academy of Fine Arts de Antwerp. Se interesó por la moda desde niño, gracias a un programa de televisión en el que salían André Courrèges y Paco Rabanne. Ya de adolescente, empezó a mezclar ropa de segunda mano que conseguía en mercadillos; su gusto por la moda vintage o de segunda mano influiría más tarde en su trabajo como diseñador.

Tras graduarse, Margiela trabajó como freelance durante cinco años. En 1984 se trasladó a París para trabajar como asistente de diseño de Jean Paul Gaultier hasta 1987 (no olvidemos la colección FW1986/1987 en la que desfila como modelo).

Margiela fundó su marca homónima, Maison Martin Margiela, en 1988 junto a su socia Jenny Meirens. El momento que hizo despegar a la marca fue la presentación de su primera colección, SS1990, realizada en un patio de recreo abandonado de un barrio de las afueras de París, donde la mayoría de los habitantes eran norteafricanos. El desfile revolucionó la industria: una pasarela irregular, modelos que tropezaban intencionadamente, mangas rotas, dobladillos deshilachados y zapatos desaliñados que se desmarcaban totalmente de la moda de la época. Se pidió a los niños de la zona que dibujaran a mano las invitaciones en las clases de arte del colegio y se les sentó en primera fila durante el desfile.

El diseñador siempre buscó la discreción, nunca concedió entrevistas ni salió a saludar tras los desfiles, toda la comunicación con las revistas se realizaba por fax o e-mail. La idea principal de la marca es que las prendas deben hablar por sí mismas, puesto que son producto de la colaboración del equipo que forma parte de la marca. Llegó incluso a cubrir los rostros de las modelos en todas las colecciones, convirtiéndolo en uno de los hitos de la marca.

Probablemente sea la marca más adelantada a su tiempo, poniendo siempre el foco en la importancia del elemento sorpresa: joyas realizadas en hielo que se deshacían por momentos, colecciones rociadas con un líquido que hacía que los tejidos se desvaneciesen in situ, chalecos realizados con trozos rotos de cerámica (AW89/90), un abrigo realizado con pelucas (2009, 20º aniversario de la marca), gafas de sol “Incognito” (SS2008), botas Tabi (1988) …

Maison Margiela fue adquirida por el grupo OTB en 2002. Margiela comenzó a buscar un sucesor para la dirección creativa de la marca, tras expresar su deseo de abandonar el mundo de la moda; le ofreció el puesto a Raf Simons, que rechazó la oferta y renovó tres años más con Jil Sander. Margiela fue también director creativo de Hermès de 1997 a 2003. Finalmente, y sin sucesor, Margiela abandonó la maison en diciembre de 2009. La marca siguió funcionando gracias al equipo; el CEO, Giovanni Pungetti, al abandonar Margiela la marca, declaró: “queremos seguir siendo vanguardistas y provocadores, pero sin un nuevo director creativo. Es un reto. Lo sabemos. Probablemente cometeremos errores, pero lo más importante es aprender de ellos”.

La empresa amplió su negocio de artículos para el hogar y diseño de interiores en 2010, y en julio de 2011 la maison diseñó varias suites conceptuales de hotel para La Maison Champs-Élysées de París. En otoño de 2014, las fuentes estimaban que la marca generaba unos 126 millones de dólares de ingresos anuales, con unas 50 tiendas de propiedad directa. En octubre de 2014 se anunció que John Galliano asumiría el cargo de director creativo, puesto que ha ocupado hasta hoy.

Para esta colección SS24 presentaron 45 looks, al anochecer, bajo la primera luna llena del año, mientras llovía y el Sena rugía, bajo el puente Alexandre III. Todos los asistentes, todos los que lo vimos a través de la pantalla, volvimos a enamorarnos de la moda y la alta costura, Galliano ha realizado uno de los mejores shows de los últimos años, nos ha hecho recordar sus mejores años en Dior, pero sobre todo el Galliano anterior a cualquiera de sus posteriores direcciones artísticas.

Según la nota de prensa, la inspiración de la colección comenzó “con los retratos de Brassai de los años 20 y 30 de los bajos fondos nocturnos de los clubes y calles de París”.

Una serie de looks realmente espectaculares, llenos de detalles, con cortes y siluetas innovadoras, trampantojos en gran parte de los materiales, caderas acolchadas y exageradas, corsés surrealistas, vestidos de encaje sensuales a la vez que inquietantes, looks que recuerdan a muñecas “rotas”, con el pecho descubierto, peinados despeinados que parecen nubes de cabello, un maquillaje asombroso que hace que los modelos parezcan llevar máscaras de cera…

Mientras los modelos realizaban un trabajo fantástico caminando por el puente de forma muy teatral, en las paredes se reproducía un vídeo en el que aparecían amantes, bailarines y gánsteres merodeando por las orillas del Sena. Cada look parecía un personaje distinto de aquellos “bajos fondos” del París de los años 20 y 30, mafiosos, amantes a medio vestir tras un encuentro sexual…

Vestidos transparentes que dejaban ver el pecho de las modelos, pero también el vello púbico (no el real, por supuesto, sino los “merkin” que surgieron aproximadamente en 1450…). Un escándalo que todavía no sabemos si denominar de buen gusto o mal gusto.

En la nota de prensa, nos explican: “El ritual del vestir es una composición del “yo”. Con el cuerpo como lienzo, construimos un exterior que viene a expresar nuestro interior: una forma de emoción. Las prendas están impregnadas de los gestos inconscientes que dan forma a nuestras expresiones, un marco para el estudio del ritual del vestir explorado a través de las técnicas de la alta costura”.

Galliano es uno de los pocos diseñadores capaces de teletransportarte a otro lugar y tiempo, no sólo piensa en la colección en sí misma, sino que ofrece una experiencia total. No sólo estamos hablando de moda, estamos hablando de teatro, de la expresión de una emoción. Es capaz de combinar lo grotesco, lo que nos provoca miedo, con belleza, sensualidad y vulnerabilidad.

Han reversionado iconos de la marca, como las botas Tabi, diseñadas como si fuesen pezuñas que suben por las piernas de las modelos. El diseñador Robert Mercier ha reversionado el chaleco de cerámica en los accesorios que parecen gargantillas de porcelana, pero que en realidad están realizadas en cuero. El maquillaje, realizado por Pat McGrath, parecían máscaras de cera, como si una vela se hubiese derretido sobre la piel de los modelos.

Galliano, de nuevo, nos ha demostrado que su infinita creatividad sigue intacta, que es posible que una nueva era se dé en la moda y la alta costura, las cuales parecían haberse adormecido estos últimos años postpandemia.

Esperamos que nuestro cuarto artículo, dedicado al tercer y cuarto día de la Semana de la Alta Costura de París, os haya parecido interesante. Podéis seguirnos en YouTube, Spotify y Google Podcast, así como en Instagram y TikTok.

Muchas gracias por estar al otro lado escuchándonos todas las semanas, esperamos que tengáis un buena y elegante semana.

Beatriz y Pedro.